Voilà une scène type de la vie d’un auteur: vous vous levez le matin plein d’entrain en pensant aux scènes que vous allez écrire, vous vous installez à votre bureau (ou sur la table de votre salon, ou le bar de votre cuisine, selon ce que vous préférez – à moins que vous ne soyez comme Dalton Trumbo, auquel cas vous écrivez dans votre baignoire) avec une tasse fumante et l’écriture est fluide.

Les personnages sont pleins de vie, vos dialogues fusent comme lorsque vous passez la soirée avec vos meilleurs amis et que les répliques s’enchaînent sans heurt, vous visualisez les décors avec une précision à faire pâlir Stendhal. Vous écrivez avec tellement de facilité que lorsque vous portez votre tasse à vos lèvres, votre thé est froid.

Vous regardez l’heure et réalisez que vous êtes en retard pour aller chercher les enfants à l’école, ou découvrez que le soleil est en train de se lever et que vous y avez passé la nuit. Vous prenez quelques notes dans votre journal d’écriture (parce que vous tenez un journal d’écriture, comme tout auteur qui se respecte) pour votre prochaine session d’écriture.

Ce qui pourrait vous mettre la puce à l’oreille, c’est que vos notes sont vagues : “La protagoniste rencontre le vieil homme” ou “La situation s’envenime” ou concernent soit des passages du livre que vous avez déjà écrit soit des passages du livre qui viendront bien plus tard dans l’histoire: “Au début, ajouter qu’elle trouve l’adresse du vieil homme” ou “vers la fin, le vieil homme meurt”. Tout à votre euphorie de cette super séance d’écriture, vous avez l’impression que tout est limpide.

Vous croyez (ou vous voulez croire) que parce que cette session a coulé comme la pluie dans une gouttière, la prochaine sera identique.

Et bien non

Votre séance d’écriture suivante est une plaie. Vous vous refaites trois fois du thé, vous mâchouillez votre stylo jusqu’à croire que vous avez pris un chewing-gum, vous relisez votre manuscrit en corrigeant une coquille par-ci, une syntaxe mal tournée par là. Vous écrivez une ligne et elle vous brûle les yeux tellement elle est maladroite et mal amenée.

Et ce n’est pas qu’une question de style: vous êtes clairement en train de poignarder votre histoire dans le dos avec cette ligne. Si vous avez le courage, vous continuez à écrire dans l’espoir de changer quelque chose mais vous savez, au fond de vous, que votre scène pose un problème majeur. Elle est le traître qui, dans les films, révèle la cachette du héros à ses ennemis.

Vous revenez sur vos notes, vous faites des recherches sur le net pour compléter vos connaissances sur les origines du tissu, vous envoyez des sms, pour finalement partir chercher les enfants avec une demie heure d’avance.

Que s’est-il passé entre ces deux séances ?

Comment se fait-il que vous viviez une expérience si radicalement différente ?

Vous pourriez penser que vous n’étiez pas inspiré, ça arrive, ça reviendra et vous contenter de cette explication qui vous rend passif face à vos histoires.

Plus vos scènes sont mûres plus elles s’écrivent facilement

Il est plus probable que vous soyez arrivé dans votre première séance avec une scène qui avait eu le temps de mûrir et que vous aviez construite (sans doute sans en avoir conscience) en étroite corrélation avec le reste de votre histoire.

Vous avez laissé cette scène se dérouler dans votre imaginaire puis sous vos doigts pour la voir apparaître sur la page dans tout son scintillement, avec les détails qui vont bien et des empreintes de sabots dans la marge qui appartenaient clairement à une licorne (et ne ressemblent pas du tout au tampon que vous acheté à vos enfants un jour de faiblesse et dont ils se sont amusés à décorer tous vos cahiers).

Le lendemain, vous étiez à sec. Vous aviez tout donné la veille. Vous aviez déroulé toute la scène, tout ce que vous saviez, tout ce que vous visualisiez. Et il ne restait rien. Vous étiez revenu dans le monde de l’abstraction, ce monde formidable où tout n’est que brouillard et incertitude.

Alors quoi faire ? Faut-il attendre gentiment que le temps passe, qu’il vous indique la marche à suivre, que votre cerveau travaille à votre insu pour vous indiquer votre prochaine scène ?

Bien sûr que non!

Quand vous êtes dans ce cas, vous devez vous remonter les manches et retourner votre histoire pour regarder ce qu’elle cache sous la surface. Vous êtes comme un horloger en train de plonger un regard grossi par sa loupe sur les rouages d’une horloge.

Voir les dessous de votre histoire

Autrement dit, vous devez changer de perspective, quitter le niveau de la narration (le moment où vous racontez la scène) pour remonter au niveau de la construction (le moment où vous faites en sorte que ce que vous racontez est cohérent et intéressant et entraînant pour le lecteur)

http://ecrire.tv/comment-structurer-une-histoire/

La dramaturgie (étymologiquement, le travail des actions) c’est la démarche qui consiste pour un auteur à regarder son histoire d’en haut et à demander: “Dans quel ordre je raconte quoi ?”

De ce travail dépendent le sentiment d’unité du texte mais aussi la montée des émotions du lecteur, son intérêt croissant pour ce que vous lui racontez, et la réussite de votre fin.

Ecrire une histoire intéressante, c’est raconter les difficultés que rencontre un personnage dans la poursuite d’un objectif important pour lui. Lorsque vous traitez cette question avec attention, lorsque vous vous concentrez sur ce que ce personnage et cet objectif ont de singulier, vous découvrez qu’il n’y a pas une infinité de versions possibles de votre histoire.

Alors vos choix sont facilités.

La structure vous donne toute l’inspiration dont vous avez besoin

Et ce qui arrive quand votre structure dramatique fonctionne, c’est que vous avez accès à une liste de scène indispensables (plus quelques scènes superflues si tout se passe bien) dans laquelle vous n’avez plus qu’à piocher pour écrire votre histoire et retrouver le sentiment de fluidité et d’abandon que vous avez ressenti la première fois.

Et vous n’avez pas besoin d’attendre l’inspiration puisque la scène vous dicte déjà ce qu’elle doit contenir. Tout ce que vous avez à faire, c’est l’habiller joliment: travailler la mise en scène, travailler les décors, les accessoires, les dialogues. Tout ce travail narratif que tous les auteurs aiment parce que c’est le moment où leur imaginaire voyage le plus.

La structure dramatique répond à deux questions simples: Qui veut quoi ? et Et après ? (ou sa variante “Et alors ?”).

Répondez à ces deux questions pour chaque scène en vérifiant que vous suivez bien le même fil d’action global jusqu’à la fin (concrètement: le personnage évolue vers ce que vous souhaitez qu’il devienne à la fin du livre) et vous aurez une histoire cohérente.

Augmentez régulièrement la difficulté des obstacles (ce qui rend l’objectif difficile à atteindre) et l’importance des enjeux (ce qui rend l’objectif important à atteindre pour le personnage) tout au long de l’histoire et l’intérêt du lecteur pour votre histoire augmentera régulièrement aussi.

Réussir ses milieux

Il n’y a pas plus décevant qu’une histoire qui démarre bien et qui retombe vers le milieu parce que l’auteur n’a pas su relancer correctement les enjeux et les obstacles. C’est pourtant le cas dans beaucoup de livres édités et lorsque vous saurez réussir le milieu de vos histoires, vous surprendrez vos lecteurs sans avoir recours à des artifices comme des chutes improbables à la fin de vos récits.

Concentrez-vous sur la cohérence de votre fil d’intrigue (l’enchaînement d’actions et de stratégies posées par le personnage, qui tendent toutes à l’atteinte de son objectif), approfondissez ses enjeux régulièrement, et vous aurez un socle solide sur lequel construire votre histoire.

Si vous voulez aller plus loin dans votre compréhension de la construction dramatique, vous pouvez revoir ma masterclass sur la structure et recevoir mon retour personnel sur votre structure, un retour qui pendant deux heures vous aidera à clarifier vos intentions, à mieux comprendre votre histoire et ses enjeux et vous permettra d’aller encore plus loin dans l’écriture de votre livre (ou scénario).

Parce que je réserve des places dans mon agenda pour les auteurs qui suivent cette masterclass, je ne peux pas vous promettre qu’il restera de la place si vous tardez trop à vos décider.

http://ecrire.tv/comment-structurer-une-histoire/

Au fait, c’était quoi cette histoire de tissu ?

Dans When, Dan Pink étudie l’importance du timing dans nos actions en se basant sur 700 études scientifiques, il cherche à rationaliser la façon dont nous vivons notre temps. De l’évolution de notre énergie dans la journée à l’impact positif de la synchronisation rythmique avec d’autres individus, il passe au crible tous les aspects de notre rapport au temps, y compris ce que nous faisons et comment nous sommes au début, au milieu et à la fin d’un projet.

D’après Pink, le milieu (d’une vie, d’un projet, d’un match de basket…) est un moment significatif d’un point de vue biologique (même les primates seraient concernés) qui peut être vécu comme une source de découragement (« oh non, j’ai déjà utilisé la moitié de mon temps ») ou au contraire comme un moment de propulsion vers une plus grande concentration et une plus grande application des apprentissages de la première moitié de l’affaire (« oups, j’ai déjà utilisé la moitié de mon temps il faudrait peut-être que je me remue! »).

Ce qui est le plus intrigant dans les études qu’il cite, c’est l’apparente universalité du phénomène. Or, en dramaturgie, nous savons que le midpoint, l’exacte moitié de l’histoire, est un moment déterminant pour notre récit. Non seulement pour le personnage, qui s’engage sans possibilité de retour dans son objectif, mais aussi pour le lecteur, qui y trouve une immersion supérieure dans le récit… à condition que l’auteur ait réussi sa transition.

Verticaliser le conflit

Le midpoint demande que nous resserrions les enjeux et augmentions l’intensité dramatique de notre histoire. Nous avons effleuré la surface du conflit, maintenant, il faut plonger dedans pour de bon. La méthode la plus efficace pour le faire (ce n’est pas la seule) consiste à faire basculer le conflit de l’externe vers l’interne, de passer d’un désir conscient à un besoin inconscient, d’une envie forte à un désir ardent, choisissez votre terminologie.

Lorsque l’histoire n’opère pas cette verticalisation du conflit, elle tombe souvent à plat, on voit l’intensité du récit plier dans un « ventre mou » qui nous fait perdre notre intérêt dont la forme, si l’on devait la dessiner, rappellerait les schémas en U issus des études citées par Daniel Pink.

Dans une discussion qui m’a valu ma place de lecteur chez M6 Kid il y a de cela trois vies, j’ai été jusqu’à affirmer qu’un récit qui se disperserait au midpoint ne mériterait pas d’être considéré comme une histoire. J’ai mis de l’eau dans mon vin depuis (un peu, si si) mais je continue à penser que nos efforts doivent se resserrer au milieu de notre narration, que notre construction dramatique doit se recentrer sur les aspects thématiques de notre histoire, et radicaliser la tension promise par l’incident déclencheur.

L’objectif du protagoniste fait place au travail de sa faille, sa quête est moins celle d’un objet que celle d’un état, c’est ce qui permet la meilleure opportunité de transformation pour lui (pour rappel: une histoire, pour ne pas être anecdotique, doit présenter une opportunité de transformation au protagoniste, ce qui ne signifie pas que celui-ci s’en saisisse avec succès!)

L’universalité de l’intrigue

Si elle est valable, la théorie présentée par Dan Pink renforce ma propre hypothèse selon laquelle la structure dramatique répondrait à des impératifs psychologiques (voire biologiques) antérieurs au langage, que c’est ce qui en fait l’universalité.

Indépendamment, savoir que le midpoint est le moment d’un resserrement de l’attention, nous pousse à redoubler de vigilance lorsque nous construisons nos intrigues. Quel choix présentez-vous au protagoniste à la moitié de votre histoire ? Quelle est sa réaction ? Comment ce passage révèle-t-il un basculement thématique en direction de votre point de vue ? Comment intensifiez-vous le conflit dramatique suite au midpoint ? Observez-vous une superficialité de son traitement avant le midpoint et un approfondissement après ? Si oui, vous êtes sur la voie d’un récit capable de captiver son lecteur.

Le midpoint pour l’auteur

Le milieu (temporel) du processus d’écriture, pour l’auteur, c’est aussi le moment des doutes et de la lassitude. Le projet commence à se répéter, à tourner en rond. Des idées pour d’autres histoires naissent, plus attrayantes et séduisantes que le projet en cours.

Beaucoup d’auteurs perdent de vue le cœur dramatique et thématique de leur histoire et en démarrent une seconde, confondant unité contextuelle et unité d’action (ie. ce n’est pas parce que les événements concernent le même personnage dans le même univers que vous déroulez la même intrigue).

Ceci ne s’explique pas uniquement par le temps que vous y avez déjà passé. Le milieu de l’histoire exige de vous un changement de perspective, un renouvellement du regard sur l’intrigue et l’évolution du protagoniste. Pour pouvoir augmenter les enjeux et tendre le conflit, vous devez vous-même sortir de l’exploration de l’univers de l’histoire et traiter le problème autour duquel votre intrigue tourne depuis l’incident déclencheur qui, jusque là, n’a fait que se préciser.

Schématiquement, dans la première moitié de l’histoire, le protagoniste essaie de régler son problème sans en affronter les causes. Il s’occupe des symptômes, il cherche des chemins de traverse, mais est trop effrayé (ou tout simplement n’a pas conscience) du fond de sa situation. Dans la seconde moitié de l’histoire, soit parce qu’il a atteint tous ses objectifs, soit parce qu’il lui apparaît qu’il ne les atteindra pas, le protagoniste s’attaque (consciemment ou non) de front à la cause de son problème.

Vers quoi basculer ?

Le milieu de l’histoire vous présente l’opportunité d’une bascule. Vous êtes allé au bout de l’élan initial de l’intrigue: la série d’actions engagées par le protagoniste suite à l’incident déclencheur. Ces actions ont eu des conséquences plus ou moins probantes sur la résolution du déséquilibre initial. C’est le moment pour l’histoire de tenir ses promesses dramatiques et pour vous, il est souvent nécessaire de faire un point : Dans la première moitié du récit, qu’avez-vous appris de l’intrigue et des ressources du protagoniste ? Qu’avez-vous découvert de ce qui est réellement important pour elle ? De ce qu’elle veut et de sa difficulté réelle pour l’atteindre ? Du nœud psychologique ou émotionnel auquel elle doit s’attaquer pour progresser ?

Vous n’avez pas eu besoin de connaître ces aspects de l’histoire consciemment jusqu’à maintenant mais pour éviter le ventre mou, pour éviter de commencer une nouvelle intrigue, vous devez prendre la peine de les interroger et les identifier. Vous vous perdrez moins en tâtonnements et avancerez avec davantage de confiance et d’assurance dans la suite de l’écriture si vous-même vous accordez une pause au midpoint et réalisez qu’il est temps que vous reconnaissiez la faille de votre protagoniste et pressiez dessus.

Les meilleures intrigues sont basées sur les personnages, pas l’inverse. Et comme la dramaturgie repose sur le conflit (ie. les tensions irrésolues), quoi de mieux que de les trouver là où elles naissent le plus naturellement: dans la différence qui existe dans l’expérience que les personnages ont d’une même situation !

Un simple tableau suffit à faire apparaître cette source naturelle de conflit.